Artigo
Nos últimos meses falámos com criadores, produtores e diretores de estúdios de várias equipas sobre a forma como os jogos se fazem mesmo neste momento. O retrato que surgiu prende-se menos com uma tecnologia e mais com uma reconsideração global do âmbito, dos calendários e da estrutura das equipas.
Eis o que aparecia com mais frequência — e o que isso significa para os lançamentos dos próximos anos.
1) Jogos mais curtos, design mais denso.
Vários estúdios descreveram um afastamento dos enormes mundos abertos em favor de experiências mais apertadas e mais rejogáveis. Os mapas gigantes são caros de preencher com conteúdo significativo, e os jogadores dizem cada vez mais que, de qualquer forma, não acabam os jogos longos.
2) Menos funções, melhor executadas.
As listas de funções são cortadas mais cedo na produção. Um produtor descreveu como anteciparam o fecho de funções (feature lock) em vários meses e trataram tudo o que não estivesse pronto até essa data como automaticamente fora de âmbito.
3) A clareza como objetivo de design.
As equipas escrevem propostas de uma frase para cada sistema e retiram tudo o que não se consegue explicar depressa. As funções vagas costumam sair inacabadas — ou confundem os jogadores depois de serem lançadas.
O investimento em ferramentas cresce.
As equipas dedicam uma parte maior da produção inicial à construção de ferramentas internas. A recompensa é uma iteração mais rápida mais tarde, sobretudo para os designers de níveis e as equipas narrativas, que antes esperavam por engenheiros para alterações de rotina.
Os testes automatizados tornaram-se a norma.
As passagens automáticas noturnas, que detetam bloqueios na progressão, já são prática habitual mesmo em estúdios de dimensão média. Várias equipas atribuíram a isto a redução drástica da fase final de correção de erros.
Telemetria mais cedo, não só no lançamento.
Os dados dos playtests alimentam as decisões de design a meio da produção, em vez de ficarem por usar até depois do lançamento. Os estúdios que fazem isto bem tratam a telemetria como uma conversa com os playtesters, não como um painel (dashboard) a ignorar.
Equipas mais pequenas com vida mais longa.
Em vez de montarem grandes equipas temporárias para cada projeto, vários estúdios mantêm grupos nucleares mais pequenos que ficam juntos ao longo de vários títulos. Os diretores descreveram isto como a maior melhoria na previsibilidade da produção que fizeram.
O trabalho híbrido instala-se num modelo.
O trabalho totalmente remoto e o totalmente presencial cederam em grande parte lugar a acordos híbridos construídos em torno de dias de revisão sincronizados, enquanto o trabalho individual concentrado acontece de forma assíncrona.
Mentoria em vez de cultura de crunch.
Os estúdios que relatam os calendários mais saudáveis falaram de mentoria, de margens realistas para as etapas (milestones) e de cortar conteúdo (scope) antes de cortar no sono. Os que ainda esgotam as pessoas (burnout) raramente retêm o talento que torna o jogo seguinte melhor.
Ajuda procedimental, não geração completa.
O interesse dirige-se menos à geração totalmente automática de mundos e mais à aceleração de tarefas concretas dos artistas: variação de objetos (props), bloqueio de terreno e geração de nível de detalhe (LOD). A qualidade autoral humana permanece no centro.
Melhores sistemas de animação.
Técnicas como o motion matching passaram de inovação de topo a rotina nos estúdios maiores e começam a aparecer nas produções médias através de suporte pronto a usar diretamente do motor gráfico.
Acessibilidade mais cedo no processo de produção.
Os controlos reatribuíveis, as opções de legendas e a separação da dificuldade planeiam-se já na pré-produção, em vez de serem acrescentados à pressa antes do lançamento — uma decisão impulsionada por regulamentação em alguns mercados e pelo simples facto de os jogos acessíveis chegarem a mais jogadores.
Os adiamentos (delays) costumam ser a decisão certa.
Todos os criadores com quem falámos formularam uma versão deste ponto de vista. O tempo extra vai quase sempre para estabilidade e acabamento; a alternativa é lançar algo que a equipa sabe que não está pronto.
O momento (timing) do feedback importa.
O feedback da comunidade durante os testes iniciais muda mesmo os jogos. O feedback depois do lançamento informa sobretudo o projeto seguinte, porque nessa altura o atual está em grande parte fechado (locked).
Cortar conteúdo nem sempre significa «conteúdo em falta».
Retirar um sistema meio pronto pode fazer o resto do jogo parecer mais acabado. Os jogadores sentem muitas vezes esses cortes como foco, não como ausência — quando a equipa comunica com clareza.
O meio do mercado parece o mais forte.
Os orçamentos de topo deixaram de crescer para muitos editores. Os diretores esperam que equipas de cerca de trinta a oitenta pessoas, a fazer jogos concentrados com uma identidade clara, criem muitos dos lançamentos futuros mais memoráveis.
Os serviços live tornam-se mais seletivos.
Nem todos os títulos precisam de um calendário de conteúdo para vários anos. Os estúdios estão mais dispostos a lançar um jogo para um jogador acabado — ou uma camada live mais leve — do que a impor um modelo de serviço que não se adequa ao design.
Os padrões e o conforto importam mais.
O jogo multiplataforma, as predefinições razoáveis e as opções de conforto estão a tornar-se requisitos de base, e não marcas distintivas. A marca distintiva continua a ser a identidade criativa.
Olhe para o tamanho do estúdio e para há quanto tempo a equipa nuclear trabalha junta — não apenas para o orçamento de marketing.
Repare quando um jogo sai mais curto e mais denso; isso é muitas vezes intencional, não prova de que está inacabado.
Trate as janelas de feedback dos playtests iniciais como o verdadeiro momento de influenciar um título.
Acompanhe as opções de acessibilidade e de conforto listadas na revelação, não apenas nas notas dos patches depois do lançamento.
Siga os estúdios de dimensão média com um pitch criativo claro; é daí que a maioria dos entrevistados espera que venham as surpresas agradáveis.
Nenhuma das pessoas com quem falámos descreveu o momento atual como fácil. Mas houve um sentimento comum de que o setor está a ficar melhor nas partes pouco brilhantes de fazer jogos: o planeamento realista, a construção de boas ferramentas e a manutenção das equipas juntas tempo suficiente para se tornarem boas a trabalhar umas com as outras.
Não são as mudanças que ocupam os títulos da primeira página. São, no entanto, as que têm maior probabilidade de se refletir na qualidade daquilo que vai jogar nos próximos anos — e os estúdios que atuam sobre elas agora já estão a moldar o aspeto do «bom» no futuro.